5 artiste femei uitate pe care ar trebui sa le cunosti
De-a lungul istoriei, anumite femei artiste, mai ales in Occident, au avut o rezonanta mai mare decat altele, precum Mary Cassatt (1844-1926) sau Dora Maar (1907-1997). Adesea, insa, aceste artiste de sex feminin au fost mai recunoscute decat altele datorita familiei lor sau a cunostintelor pe care le aveau cu alti pictori barbati.
Mai jos sunt cinci artiste femei din trecut si prezent, poate putin cunoscute sau chiar uitate, care sunt unite prin talentul si dorinta lor de a merge impotriva regulilor impuse de societate.
1. Artista feminina a expresionismului abstract: Janet Sobel
Potrivit lui Ernst Gombrich, autorul cartii Istoria artei , precursorul expresionismului abstract a fost Jackson Pollock, care a eliminat treptat imaginile neobisnuite din picturile sale in favoarea variatiilor pur abstracte. Compozitiile sale ritmice si expresive au fost realizate prin tehnica sa de picurare . Putini oameni stiu, insa, ca inaintea lui, Janet Sobel (1893-1968) a folosit aceasta tehnica si a suferit de o lipsa latenta de recunoastere ca pictor de-a lungul carierei sale.
Povestea lui Sobel este una tulbure. S-a nascut intr-o familie de evrei din Dnipro, Ucraina. Tatal ei si-a pierdut viata intr-un pogrom cand Sobel era foarte tanar, iar ea a fost fortata sa fuga la New York impreuna cu mama si cei doi frati. La 16 ani, s-a casatorit cu un aurar cu care a avut cinci copii. Din cauza vietii sale dificile, Sobel nu a primit o educatie formala, dar avea un interes natural pentru arta, muzica si literatura.
Cu toate acestea, criticii acelor ani nu erau inca pregatiti pentru stilul inovator al artistului. Mai mult, s-au straduit sa-si clasifice productia caracterizata prin tehnica de picurare care reda ideea acestei executii rapide, asa cum se vede in Calea Lactee (1945). Insusi criticul Clement Greenberg l-a recunoscut pe Sobel doar ca gospodina si pictor primitiv , aratand clar ca opera artistului nu avea nicio legitimitate.
Pana in ziua de azi, Sobel inca nu este recunoscut ca inventatorul dripping-ului , deoarece comunitatea artistica, la fel ca si celelalte, inca se lupta impotriva unei grele mosteniri patriarhale in care doar creativitatea oamenilor a fost hranita si glorificata. Cu toate acestea, utilizarea ei de pionierat a picturii prin picurare, impreuna cu influenta ei asupra lui Jackson Pollock si dezvoltarea expresionismului abstract fac din ea o figura importanta in istoria artei moderne.
2. Jeanne Mammen: Noul artist al obiectivitatii
In 2018, expozitia Magic Realism: Art in Weimar Germany 1919-1933 , organizata de Tate Modern din Londra, a dat vizibilitate lucrarilor Jeanne Mammen (1890-1976). La patru decenii de la moartea ei, artista a fost in sfarsit recunoscuta pe scena artistica internationala. Miscarea Decadent, Art Nouveau si Simbolismul au influentat puternic productia ei artistica. In anii 1920, in Germania, in timpul Primului Razboi Mondial, Jeanne Mammen a devenit asociata cu miscarea artistica New Objectivity. La fel ca artistii miscarii, lucrarile lui Mammen sunt caracterizate de naturalism si de reprezentarea satirica a Germaniei dupa infrangerea acesteia in Primul Razboi Mondial.
In timpul ascensiunii regimului nazist in Germania, Mammen s-a confruntat cu un control si o cenzura crescanda din cauza stilului si a subiectelor ei artistice neconventionale. Lucrarile ei au fost etichetate arta degenerata si i s-a interzis sa-si expuna lucrarile in galeriile oficiale. In ciuda acestor provocari, Mammen a continuat sa creeze arta in mod privat si s-a concentrat mai mult pe ilustratie si design de moda in aceasta perioada.
Picturile lui Mammen se concentreaza asupra vietii sociale a Berlinului si a locuitorilor sai, precum si asupra granitelor transparente si opace ale orasului, ca in Ostende, am Strand (1926). Artista a beneficiat de cosmopolitism prin faptul ca lucrarile ei sunt sigure si discrete, fie ca frecventeaza cercurile de elita sau barurile proletare. Mammen doar inregistreaza ceea ce se intampla in acel moment, fara sa ia partid.
Te-ar putea interesa si:
Vandalismul artei: 5 lucruri pe care ar trebui sa le stii despre aceasta crima
Stilul ei unic, dezvoltat in scolile franceze si belgiene, combina creativitatea lui Henri de Toulouse-Lautrec in infatisarea demi-monde a Parisului fin-de-siecle cu o viziune sobra asupra vietii din Berlin. De asemenea, Mammen creeaza in mod regulat anunturi parodistice de serviciu public si colaboreaza cu case de moda, iar ilustratiile ei sunt publicate periodic in publicatiile chineze cu umor batjocoritor.
In ultima faza a carierei artistice, intre 1960 si 1975, Mammen a abandonat pluralitatea ei stilistica caracteristica. In lucrarile ei, nu exista semne ale unei lupte cu lumea exterioara; in schimb, se face impresia ca artistul are timp sa munceasca din greu la fiecare imagine.
In timp ce Mammen s-a confruntat cu provocari si marginalizare in timpul vietii, munca ei a castigat recunoastere si apreciere in ultimii ani. Retrospective si expozitii au facut lumina asupra contributiilor ei artistice, iar opera ei de arta este acum celebrata pentru stilul sau unic.
3. Emily Kame Kngwarreye: Miscarea de arta in desert
Emily Kame Kngwarreye (1910-1996) a avut o cariera artistica extrem de prolifica si este considerata pe scara larga drept unul dintre cei mai importanti si influenti artisti indigeni din istoria artei australiene. Dupa ani in care a pictat tesaturi batik, ea a inceput sa picteze pe panza la sfarsitul anilor 1970. Spre deosebire de multi artisti din desert ai vremii, compozitiile ei sunt abstracte, dinamice si cu un puternic simt al culorii. Limbajul vizual al artistului face aluzie la naratiunile despre spiritele ancestrale care au creat universul si povestile stramosilor aborigeni din Desertul de Vest, prin modele complicate de puncte si desene extinse, ca in Summer Celebration (1991).
Patria florei si faunei a lui Kngwarreye este usor de identificat in toate picturile ei. De fapt, lucrarile par abstracte, dar, observate cu atentie, detaliile subtile dezvaluie aspecte ale culturilor aborigene, precum floarea de igname, ale carei seminte fac aluzie la viata si frumusetea peisajului desertic. Dupa moartea ei, opera ei a fost selectata pentru a reprezenta, impreuna cu alti artisti aborigeni australieni, pavilionul australian la Bienala de la Venetia din 1997. Prezenta ei si a celorlalte artiste de sex feminin cu aceasta ocazie a fost esentiala in introducerea unei perspective feminine.
Mostenirea lui Kngwarreye continua sa inspire si sa captiveze pasionatii de arta si colectionarii din intreaga lume. Capacitatea ei de a transcende granitele culturale si de a transmite o legatura profunda cu pamantul prin arta ei a lasat o amprenta de nesters pe scena artei contemporane, evidentiind bogatia si profunzimea expresiei artistice aborigene. Lucrarile ei pot fi gasite in mai multe colectii internationale in contextul modern. In special, toate muzeele importante australiene, Muzeul Britanic si Muzeul National al Femeilor in Arte din Washington.
4. Shirin Neshat
Nascuta in 1957 in Qazvin, Iran si mutata in Statele Unite, Neshat este o artista cu mai multe fatete care exploreaza realitatea dura a femeilor musulmane din lumea islamica prin fotografiile, instalatiile video si spectacolele sale. Cel mai cunoscut serial al artistei este o serie de fotografii alb-negru intitulata Women of Allah (1993-1997), rezultata din confruntarea ei cu trecutul ei. De altfel, seria s-a dezvoltat in urma intoarcerii artistei in patria ei in 1990.
Te-ar putea interesa si:
7 artisti suprarealisti celebri care au atins maretia
Sistemul politic al Iranului la acea vreme era profund impartit intre tendintele democratice si dictatoriale. In consecinta, Neshat a aplicat arta ca rezistenta la guvernul opresiv. Imagini precum Rebellious Silence (1994) evoca o putere tacuta capabila sa comunice puterea feminina prin privirea ferma a femeilor.
In urma acestui proiect fotografic, Neshat a inceput sa se apropie si de cinematografia. Filmul ei Femei fara barbati (2009), inspirat din romanul lui Shahrnush Parsipur, o scriitoare inchisa de cativa ani, a castigat Leul de argint pentru cel mai bun regizor la Festivalul de Film de la Venetia. Arta ei care provoaca gandirea a avut un impact semnificativ, starnind discutii despre gen, cultura si identitate in lumea artei globale.
Desi, activismul politic al artistului nu se limiteaza la lumea islamica. Munca lui Neshat rezoneaza cu publicul din intreaga lume, transcend granitele culturale si ofera perspective asupra experientei umane universale. Ea abordeaza teme care sunt relevante si pentru discutii mai ample despre politica si dinamica puterii.
In Land of Dreams (2019), visul american si mitul Occidentului sunt comparate cu politicile adoptate de presedintia lui Donald Trump impotriva drepturilor omului si a grupurilor vulnerabile. Aceasta lucrare evidentiaza paralelele dintre SUA si Iran si tensiunile dintre cele doua tari. Cu lucrarile ei, care imbratiseaza atat teme feministe, cat si pe cele ale politicii iraniene si americane, Neshat impartaseste o amplificare a artei ca mijloc prin care sa-si exercite rezistenta si responsabilitatea sociala.
5. Mickalene Thomas: Artista feminina rebela
Strasurile, acrilicele si modelele colorate sunt doar cateva dintre lucrurile care caracterizeaza stilul distinctiv al lui Mickalene Thomas. Nascuta in 1971 in New Jersey, Mickalene a devenit proeminenta in 2007, cand una dintre lucrarile ei s-a vandut cu 30.000 de dolari. Lucrarile ei se concentreaza in primul rand pe reprezentarea femeilor afro-americane printr-o reinterpretare si provocare a notiunilor de frumusete feminina.
Perspectiva proaspata a lucrarilor sale asupra feminitatii rezulta din nevoia artistei de a merge impotriva dominatiei privirii masculine in arta. O privire care poate influenta si perceptia asupra istoriei si a artei. Tehnica ei artistica aminteste de Pop Art, iar subiectele ei provocatoare, care privesc cu mandrie la privitor, sunt adesea obtinute folosind colaje complicate si instalatii mixte-media.
Lucrarea Le dejeuner sur l'herbe: les trois femmes noires (2010) este un manifest semnificativ prin care Thomas propune o reinterpretare a celebrului tablou al lui Manet. Versiunea din 2010 arata aceasta iconografie intr-o cheie moderna prin cele trei subiecte feminine afro-americane, subliniind in acelasi timp nevoia unei arte mai incluzive din punct de vedere vizual. Explorarea rasei si identitatii de catre Thomas adauga profunzime si nuanta lucrarii ei de arta. Pornind din propriile experiente ca femeie afro-americana, ea arunca lumina asupra luptelor si triumfurilor unice ale comunitatilor marginalizate. Prin impletirea referintelor istorice si culturale, ea se confrunta cu nedreptatile societale si pledeaza pentru egalitate.
In ultimii ani, lucrarile ei au atins cifre record, confirmand atentia colectionarilor fata de artist. Impactul lui Mickalene Thomas se extinde cu mult dincolo de domeniul artei. Creativitatea ei care depaseste limitele inspira o noua generatie de artisti, incurajandu-i sa conteste conventiile si sa-si exprime sinele autentic.
