Timp de secole, femeile artiste nu au primit foarte mult sprijin. Acest lucru a fost adesea explicat prin presupusa incapacitate a femeilor de a concura cu creativitatea masculina. In special, sculptura a fost privita ca o forma de arta masculina, deoarece necesita munca fizica. Nerespectarea realizarilor lor nu a impiedicat toate sculptoarele femei sa creeze lucrari uluitoare si inovatoare. Mai jos sunt opt nume mari ale sculptoarelor femei care si-au asigurat locurile in istoria artei.
1. Camille Claudel: Sculptorul femeii uitate (1864 – 1943)
Nascuta intr-o familie bogata de fermieri, Camille Claudel a demonstrat inca de la o varsta frageda un interes pentru sculptura. Desi mama ei, un crestin conservator, s-a opus dorintei lui Camille de a studia, tatal ei si-a mutat familia la Paris pentru ca fiica lor sa devina una dintre primele femei care au avut educatie artistica profesionala in Franta. Cititoare pasionata, Camille si-a inspirat mituri, legende, romane populare si publicatii de filozofie. Talentul ei artistic unic a fost rapid observat de admiratorii de arta si de colectionari.
In timp ce cariera lui Claudel era in crestere, sanatatea ei mintala a scazut, in mare parte din cauza relatiei ei emotionale si abuzive cu un alt sculptor legendar, Auguste Rodin. Mama ei, inca dezaproband cariera lui Claudel, a decis sa ia lucrurile in propriile maini, plasandu-si cu forta fiica intr-un azil psihiatric. Marea artista si-a petrecut ultimii treizeci de ani din viata intr-o izolare completa, pierzand in obscuritate timp de decenii dupa moartea ei. Ani de zile a fost mentionata doar ca muza si iubita lui Auguste Rodin. Cu toate acestea, in ultimele decenii, istoricii de arta au inceput sa evidentieze unicitatea stilului si a priceperii lui Claudel.
2. Edmonia Lewis (1844 – 1907)
Edmonia Lewis a fost prima artista de mostenire afro-americana si nativ-americana care a atins faima internationala in ciuda barierelor de rasa si clasa. Pierzandu-si ambii parinti devreme, Lewis a fost ingrijit de matusile ei. De asemenea, a trebuit sa munceasca de la o varsta frageda. Ea isi castiga existenta vanzand haine brodate. Dupa ce fratele ei a reusit sa castige destui bani in timpul goanei aurului, el a platit pentru educatia Edmoniei Lewis la Oberlin College din Ohio. Oberlin era binecunoscuta ca o institutie liberala cu opinii abolitioniste dominante, care pledau pentru coeducatie in loc de segregare.
Cu toate acestea, fatada progresiva nu a ajutat-o pe Lewis sa-si termine educatia. In 1962, pe masura ce a continuat razboiul civil american, a fost acuzata in mod fals ca si-a otravit doi dintre colegii ei albi de clasa. Nici macar demonstrarea nevinovatiei ei in instanta nu a salvat-o pe Edmonia de la o bataie violenta din partea multimii rasiste furioase de locuitori locali. Aceasta a fost urmata de expulzarea ei din facultate.
Edmonia Lewis a continuat sa studieze singura. Primul ei succes financiar a venit la ea cand a inceput sa creeze busturi ale abolitistilor renumiti pierduti in razboi. Cu toate acestea, realizarile ei reale au inceput in anii 1870, cand s-a mutat in Europa si s-a stabilit la Roma. Dupa ce a studiat sculptura clasica acolo, ea si-a creat cele mai faimoase lucrari, inclusiv dramatica Moartea Cleopatrei .
3. Niki de Saint Phalle (1930 – 2002)
Niki de Saint Phalle si-a inceput cariera artistica in anii 1950, cand lumea de dupa razboi era deosebit de ostila fata de femeile care respingeau rolurile traditionale. S-a nascut in Franta intr-o familie de bancheri franco-americani, dar educatia bogata nu a adus multe bucurii in viata artistului aspirant. Inca din primii ei ani, Niki de Saint Phalle si fratii ei au suferit abuz fizic, emotional si sexual din partea parintilor lor. Pentru a scapa de familia ei, s-a casatorit cu un prieten de familie, dar in curand s-a trezit prinsa in aceeasi viata de indatoriri si responsabilitati domestice pe care le-a urat in copilarie.
La scurt timp dupa ce s-a eliberat de viata de familie, Niki de Saint Phalle s-a trezit atat in cercurile artistice europene, cat si americane. Experimentele ei indraznete cu materiale, tehnici si formate au atras rapid atentia artistilor tineri si consacrati, de la Robert Rauschenberg la Marcel Duchamp. Stilul naiv si jucaus al lui Niki de Saint Phalle a fost doar acoperirea pentru a face loc conversatiilor pe subiecte incomode si sensibile, cum ar fi criza SIDA, inegalitatea rasiala si de gen si schimbarile climatice.
4. Augusta Savage (1892 – 1962)
Augusta Savage, marea sculptoare americana a Renasterii din Harlem, a inceput sa experimenteze cu lut la inceputul adolescentei, spre mania tatalui ei, un pastor metodist care a vazut realizarea artei ca pe ceva pacatos. In ciuda anilor de batai si abuzuri, ea a ramas persistenta, mutandu-se mai tarziu la New York si primind o bursa la Cooper Union College. O scoala de arta prestigioasa din Franta l-a acceptat si pe Savage ca elev, dar partea americana a refuzat sa o trimita acolo, sustinand ca alti studenti s-ar simti incomod studiind cu o femeie de culoare.
Cu toate acestea, cu ajutorul patronilor si colegilor ei sculptori, Augusta Savage a reusit sa traverseze oceanul si sa se stabileasca la Paris timp de cativa ani. Ea nu doar a cercetat arta europeana acolo, ci si-a prezentat si si-a vandut in mod activ propriile piese, castigand chiar si recompense prestigioase. S-a intors in SUA la inceputul anilor 1930, cand Marea Depresiune a suspendat productia artistica. Hotarata sa-si ajute comunitatea, ea a deschis un studio de arta si doua galerii de arta, invatand copiii si adultii sa picteze si sa sculpteze. Desi un numar relativ mic din lucrarile ei a supravietuit, influenta ei asupra scenei artistice afro-americane in crestere a fost evidenta si de durata.
5. Wangechi Mutu (1972 – )
Wangechi Mutu este un sculptor kenyan contemporan care exploreaza identitatea culturala si feminitatea prin prisma culturii si istoriei africane. Adesea numit afrofuturist, Mutu creeaza sculpturi fantastice care imbina science-fiction cu traditia africana, subminand naratiunile coloniale si imaginand noi viitoare.
In 2019, Muzeul Metropolitan din New York a comandat o serie de sculpturi de fatada lui Wangechi Mutu. Nisele din Fifth Avenue erau goale de la constructia muzeului, iar Mutu a fost primul artist caruia i s-a cerut sa le umple cu piese noi. Artistul s-a gandit mai intai la cariatide, sculpturi grecesti antice ale femeilor care tineau cladiri in loc de coloane. Ea a casatorit acest concept cu sculptura traditionala africana a femeilor asezate, transformandu-le in figuri asemanatoare extraterestre care saluta vizitatorii. Printre cele mai remarcabile trasaturi ale figurilor s-au numarat placile de buze, purtate in mod traditional de femeile apartinand claselor superioare din unele triburi etiopiene. Mutu i-a transformat in oglinzi, reflectand lumina si interactionand cu privitorul in timp ce se apropiau de cladirea muzeului. Dupa implicarea initiala a lui Mutu, Met a decis sa schimbe anual sculpturile de fatada, comandand piese de la diferiti sculptori contemporani.
6. Louise Bourgeois (1911 – 2010)
Sculptorul francez Louise Bourgeois si-a construit propria mitologie de-a lungul lungii sale cariere. Cea mai mare parte a lucrarii lui Bourgeois isi are radacinile in experientele ei din copilarie. Ea a documentat prezenta reconfortanta, dar de scurta durata a mamei sale, creand paianjeni. Pentru Bourgeois, un paianjen este o creatura prietenoasa, care ofera protectie impotriva tantarilor purtatori de boli. Motivul panzei de paianjen a fost la fel de crucial pentru artista, deoarece mama ei era tesatoare de tapiserii si restauratoare.
Tratamentul unei figuri paterne in opera lui Bourgeois a reflectat sentimente de teama, dezgust si neincredere. Tatal ei a avut o serie de aventuri abia ascunse sotiei si fiicei sale. Bourgeois si-a descris prezenta toxica si deprimanta in instalatia ei Destruction of the Father . Compozitia provine dintr-un vis din copilarie in care Bourgeois si fratii ei si-au dezmembrat si si-au mancat tatal. Numeroasele aventuri ale tatalui ei au avut un impact asupra tratamentului de catre Bourgeois a sexualitatii in arta, care a facut obiectul multor lucrari de cercetare si eseuri critice. Sexualitatea in lucrarile ei nu este romantica sau vesela, ci distorsionata, adesea respingatoare si marcata pentru totdeauna de traume timpurii.
7. Kara Walker (1969 – )
Artista contemporana Kara Walker este una dintre cele mai importante voci afro-americane din lumea artei. Ea este cunoscuta pentru tratarea ei fara compromisuri a temelor referitoare la sclavie, rasismul sistemic si violenta. Desi Walker este un artist multidisciplinar, sculptura ramane o parte semnificativa a operei ei. Una dintre caracteristicile cheie ale operei lui Walker este subversia ei a prestigioasei tipuri de arta si mestesuguri, dominate de albi, care au fost populare in perioada coloniala. Imbinand contexte si simboluri, ea indica ipocrizia si cruzimea anumitor momente din istorie.
Sculptura monumentala A Subtlety, construita si demolata ulterior in 2014, a aratat un sfinx lung de 75 de picioare construit din blocuri de zahar intr-o fosta fabrica de zahar. Sculpturile din zahar erau decoratiuni de masa populare in gospodariile aristocratice occidentale. In acelasi timp, productia de zahar implica munca sclavilor, sclavii abia avand acces la produsul pe care il faceau. Trasaturile sfinxului nu au prea multe in comun cu faimoasa figura egipteana. Sfinxul ei prezinta o reprezentare stereotipa a unei femei de culoare, a unei mame si a unui servitor in epoca premergatoare Miscarii pentru Drepturile Civile.
8. Femeie feminista sculptor: Judy Chicago (1939 – )
Cea mai faimoasa lucrare a lui Judy Chicago este monumentala Dinner Party . Cu toate acestea, in opera ei sculpturala exista mult mai mult decat celebra masa triunghiulara. Chicago este cunoscuta in primul rand ca o artista feminista. La inceputul carierei, artista a lucrat cu sculptura minimalista. Prin simplificarea vocabularului formei, ea s-a concentrat pe nuantele de culoare si ton. Titlul lucrarii provine de la numele cantaretului de soul Wilson Pickett, care a fost popular in anii 1960. Criticii, inclusiv Clement Greenberg, au intalnit lucrarile minimaliste timpurii ale lui Judy Chicago cu apreciere, dar succesul ei a eclipsat aceste piese.
