13 picturi si sculpturi manieriste italiene celebre

Esti interesat sa afli mai multe despre arta manierista italiana? Nu cauta mai departe decat acest ghid! Va ofer o analiza a primelor 13 opere de arta manieriste si capodopere produse de artisti italieni.

Ce este manierismul?

Manierismul este una dintre cele mai confuze miscari de stilist din epoca Renasterii. A fost o perioada din prima jumatate a secolului al XVI-lea care s-a suprapus si a urmat inaltei Renasteri.

De fapt, manierismul este unul dintre primele „isme” din istoria artei. A fost prima data cand un grup de artisti a produs arta intr-un mod foarte specific si distinctiv.

Manierismul este adesea considerat o subcategorie a Renasterii. Dar, in realitate, a fost o reactie impotriva stricturilor sale.

Artistii Renasterii si-au propus sa creeze arta care sa semene foarte mult cu natura. Manieristii, pe de alta parte, aveau o viziune foarte diferita asupra a ceea ce ar trebui sa fie arta.

S-au saturat de concentrarea Renasterii pe obiectivitate si armonie. In schimb, manieristii au respins regulile de arta dominante si au adus o interpretare subiectiva si un artificiu operelor lor de arta.

Au introdus un nou stil de arta care a produs niste creatii neobisnuite. Unele erau cu adevarat bizare.

In ciuda naturii ciudate a creatiilor lor, operele de arta manieriste sunt adesea descrise ca ciudate, distractive si in mod deliberat neconventionale. Unii chiar aseamana stilul cu jazz-ul.

Operele de arta manieriste se caracterizeaza printr-o paleta de culori vii, proportii alungite si exagerate, ipostaze figurative ciudate, eleganta nefireasca si compozitii elaborate.

Unii istorici sustin ca a fost un „stil bazat pe stil” constient de sine. Era arta „manierata” – o arta extrem de sofisticata pentru o epoca extrem de sofisticata.

Cine a fost parintele manierismului? Unii ar spune ca totul a inceput cu Michelangelo. Incalca deja regulile Renasterii in pictura cu fresca sa Judecata de Apoi din Capela Sixtina si in arhitectura cu Biblioteca Laurentian.

Dupa Michelangelo, artistii florentini au deschis calea. Acesti artisti au inclus Rosso Fiorentino, Pontormo si Bronzino. Parmigianino din Parma s-a alaturat si el.

La inceput, manierismul a fost complet derizoriu si considerat lipsit de gust. Istoricii de arta au considerat-o ca pe o perioada stangace. Dar acel consens a fost reevaluat, expertii concluzionand ca contributiile manieriste au fost semnificative.

Opere de arta manieriste italiene celebre

Iata 13 lucrari de manierism care trebuie vazute ale artistilor italieni. Va spun si unde sa le gasiti. Majoritatea, dar nu toate, dintre aceste piese celebre manieriste italiene se afla in Italia.

1. Pontormo, Depunerea de pe Cruce

Jacopo Pontormo a fost un proeminent pictor manierist italian a carui capodopera este Depozitia. Aceasta pictura manierista faimoasa din Italia a fost creata dupa ce a vazut frescele lui Michelangelo in Capela Sixtina si a fost puternic influentata de acestea.

Depozitia este punctul central al Cappella Capponi, care se afla in Biserica Sant Felicita din Florenta. Este o lucrare puternica si emotionanta care descrie consecintele crucificarii lui Hristos.

Trupul Lui este coborat de pe cruce si pregatit pentru inmormantare. Pictura este izbitoare pentru utilizarea culorilor pastelate nefiresc de luminoase, a luminii dramatice si a formelor stilizate.

In mod ciudat, pictura nu prezinta o cruce, sange, murdarie sau coroana de spini, ceea ce o face destul de diferita de reprezentarile traditionale ale crucificarii. De fapt, ar putea fi aproape o pieta. Figurile sunt portretizate in forme rasucite si incurcate.

In mod interesant, pictura prezinta, de asemenea, un autoportret al lui Pontormo, in extremitatea centru-dreapta. Chiar in dreapta Depozitiei se afla Anunt, o alta fresca rafinata de Pontormo care este mai restrans in stilul sau.

2. Parmigianino, Madona cu gatul lung

Madona cu gatul lung este o capodopera manierista italiana creata de Parmigianino. Pictura eleganta prezinta reprezentarea standard a madonei si a copilului cu ingeri, dar este orice altceva decat standard.

Maria este infatisata ca o figura regala pe un piedestal inalt, purtand tinute luxoase si tinand pruncul Isus in poala. Sunt inconjurati de sase ingeri.

Pictura contorteaza anatomia de baza. Are figuri alungite, perspective distorsionate si o calitate suprarealista de vis. Figura Fecioarei Maria este deosebit de absurda, cu un gat incredibil de lung, picioare lungi si burta umflata.

Tabloul prezinta, de asemenea, unul dintre cei mai putin pusti bebelusi ai artei italiene. Desi este nou-nascut, Isus pare inalt de peste 2 picioare, cea mai mare parte din aceasta inaltime in trunchiul sau lung si slab.

De fapt, bebelusul pare sa alunece pe podea. S-ar putea sa nu observi aceasta intamplare iminenta pentru ca esti prea ocupat cu gura cascata la gatul lung al lui Mary.

3. Rosso Fiorentino, Coborarea de pe cruce

Coborarea de pe cruce a lui Rosso Fiorentino este considerata o capodopera a manierismului italian. Lucrarile sale neconventionale reflecta o defalcare totala a principiului renascentist al armoniei.

De exemplu, Coborarea prezinta figuri foarte stilizate care se abat de la formele idealizate. Sunt alungite, rasucite si contorsionate, cu ipostaze si expresii exagerate care transmit un sentiment de drama si emotie. 

Pictura prezinta o abordare extrem de individualista a culorii si compozitiei. Fiorentino a folosit culori indraznete si neconventionale, cum ar fi rosu stralucitor, albastru si verde.

El a aranjat figurile intr-o compozitie complexa, asimetrica, care a sfidat principiile traditionale de echilibru si simetrie. Rezultatul este o compozitie extrem de dinamica si izbitoare din punct de vedere vizual, care capteaza atentia privitorului.

Pictura contine, de asemenea, o serie de elemente simbolice si referinte care reflecta interesele intelectuale si culturale ale perioadei manieriste. De exemplu, Fiorentino a inclus motive clasice si figuri alegorice, care fac aluzie la teme ale mortalitatii, mantuirii si mantuirii.

4. Bronzino, Alegoria dragostei: Triumful lui Venus

Bronzino a fost elevul premiat al lui Pontormo. Artistul a devenit celebru ca portretist al ducelui si ducesei Medici. 

Alegoria lui Alegoria dragostei este una dintre cele mai faimoase picturi manieriste din Italia si i-a fascinat de mult timp pe istoricii de arta. Este o pictura erotica care pare aproape ca o revista de moda lucioasa.

Ca pictura produsa pentru curte, probabil ca a incorporat in mod intentionat un puzzle si figuri mitologice emblematice. Dezlegarea simbolismului a fost pana la urma jumatate din distractie.

Pictura este o scena a iubirii neplacute, cu un albastru ultramarin intens. Figurile sunt reci ca smaltul. 

Zeita iubirii este identificata printr-un mar si tine in mana sageata lui Cupidon. Un copil care rade arunca petale catre pereche. In mijlocul lor se afla figurile inselaciunii, Tatal Timp, Gelozia si Uitarea, care marturisesc rezultatele rele care vin din pofta.

5. Tintoretto, Miracolul sclavului

Acest tablou Tintoretto face parte din ciclul sau Sfantul Marcu si infatiseaza unul dintre miracolele postume ale sfantului.

Povestea spune ca sclavul unui cavaler din Roma antica a fost descoperit ca este crestin. Drept urmare, cavalerul a decis sa-l tortureze si sa-l omoare. Cu toate acestea, sclavul s-a rugat Sfantului Marcu, care a intervenit si l-a salvat de soarta lui infioratoare.

In pictura, vedem sclavul intr-o pozitie prescurtata dramatic, ceea ce ii subliniaza vulnerabilitatea si violenta situatiei. Calaul este infatisat cu picioarele murdare, adaugand o nota de realism scenei. El tine un tarus mare de lemn, sugerand brutalitatea executiei iminente.

Fundalul picturii este enigmatic. Pare a fi o gradina venetiana, adaugand un aer de mister compozitiei. Folosirea de catre Tintoretto a luminii si intunericului se adauga la intensitatea scenei, cu contrastul dramatic dintre zonele luminoase, iluminate si umbrele profunde.

Stilul lui Tintoretto era indraznet si inovator pentru vremea respectiva. In acest tablou, pensulele sale sunt largi si aproape impresioniste.

Aceasta tehnica a fost criticata de istoricul de arta Giorgio Vasari, care l-a acuzat pe Tintoretto ca picta cu o „matura”. Cu toate acestea, stilul indraznet de manierism al lui Tintoretto a avut o mare influenta in dezvoltarea stilului baroc de pictura.

6. Bronzino, Eleanor de Toledo

Dupa cum am mentionat mai sus, Bronzino a fost un pictor manierist proeminent din Florenta, renumit pentru portretele sale iscusite. Si-a dezvoltat propriul stil liniar unic, influentat de artisti precum Michelangelo si Rafael.

Subiectul acestui portret este Eleonora din Toledo, sotia lui Cosimo I de’ Medici, care a cumparat Palatul Pitti. Se crede ca baiatul care sta langa ea este fiul mijlociu al cuplului, Giovanni, pe baza datei picturii.

In ciuda faptului ca este un portret oficial, Bronzino surprinde un moment afectuos intre mama si copil intr-un cadru peisaj. El le descrie cu meticulozitate trasaturile si imbracamintea lor elaborata, care este impodobita cu un motiv de rodie care simbolizeaza maternitatea.

Potrivit istoricului de arta Deborah Parker, rochia de matase ornamentata in sine poate fi interpretata ca un simbol al puterii si statutului Eleonorei. In general, portretul arata atentia priceputa a lui Bronzino la detalii si capacitatea sa de a surprinde momente intime intr-o maniera grandioasa si elaborata.

7. Paolo Veronese, Sarbatoare de nunta la Cana

Sarbatoarea din casa lui Levi a lui Veronese este o pictura manierista emblematica care este cea mai mare pictura din Luvru. Este masiv, masurand o latime impresionanta de 43 de picioare. Pictura este renumita pentru arhitectura sa grandioasa, detaliile complicate si haosul nestapanit.

In timp ce subiectul picturii este Cina cea de Taina, interpretarea lui Veronese se indeparteaza de o reprezentare biblica traditionala. In schimb, pictura prezinta o sarbatoare hedonista cu o varietate de personaje beti, bufoni si petreci intr-o logie cu trei arcade.

Hristos este pozitionat in centru, cu Sfantul Petru si Sfantul Ioan flancandu-l. Iuda este infatisat ca nervos si agitat in fata lui Hristos, intr-o haina rosie. 

Un caine si o pisica, simboluri ale diavolului, pot fi vazute stand la picioarele lor. Pictura a devenit faimoasa pentru natura sa plina de viata si indecoroasa. Iar Inchizitia l-a cenzurat pe Veronese pentru ca si-a batjocorit masa sfanta.

Cand a fost chemat in fata lor, Veronese a refuzat sa faca orice modificare, pretinzand licenta artistica. In schimb, a schimbat titlul picturii pentru a potoli Inchizitia.

8. Giambologna, Violul femeilor sabine

Giambologna a fost un sculptor al familiei Medici. A fost cel mai important sculptor din Florenta dupa Michelangelo si cel mai mare sculptor din a doua jumatate a secolului al XVI-lea.

Desi influentat de Michelangelo, si-a dezvoltat propriul stil manierist. Prezinta curbe gratioase, linii sinuoase si ipostaze exagerate.

Un barbat roman prinde o femeie sabina in timp ce marsaluieste peste un barbat sabin invins. Femeia se rasuceste inapoi in timp ce este ridicata in aer. 

Interesant este ca sculptura nu avea nume cand a fost creata pentru prima data. Dar patronul lui Giambologna a insistat ca are o tema si a ales violul sabinelor mai degraba la intamplare.

Sculptura este expusa in Loggia dei Lanzia din Piazza della Signoria din Florenta. A fost curatat si restaurat recent. Totusi, este deteriorat de expunerea la elemente. Speram ca Florenta va gasi in curand finantarea pentru a aduce statuia inauntru.

9. Cellini, Perseu cu capul Medusei

Cellini’s Perseus este o sculptura manierista italiana renumita creata de aurarul si artistul, Benvenuto Cellini. Comandat de familia Medici pentru Piazza della Signoria, a fost modul lor de a aduce un omagiu tatalui lor fondator, Perseus. 

Sculptura mare infatiseaza un Perseu muschi care salveaza Atena de privirea pietrificatoare a Medusei. Dupa ce a fost violata de Poseidon, Medusa a fost transformata intr-o creatura monstruoasa cu parul facut din serpi. Oricine se uita la Medusa se transforma in piatra. 

In interpretarea lui Cellini a mitului antic, Perseus reuseste sa o pacaleasca pe Medusa. El o invinge cu o sabie falica si ii tine capul taiat in sus, triumf.

Statuia lui Cellini era atat de mare si compozitia sa atat de complexa incat artistului i-a luat noua ani sa finalizeze Perseus. Artistul si-a semnat numele pe banda lui Perseu, la fel cum si-a semnat Michelangelo Pieta la Sf. Bazilica lui Petru din Roma.

Interesant este ca Cellini a plasat pe capul Medusei un portret al iubitului sau, pe care a pacalit-o sa o pozeze pentru el, spre consternarea ei. Cellini a inclus si propriul sau portret cu barba intre aripile coroanei lui Perseus.

10. Giulio Romano, Fall of the Giants

Giulio Romano a fost elevul vedeta al lui Rafael si un artist de frunte in Mantua si Roma. Era cunoscut pentru stilul sau manierist dramatic, descriind adesea teme mitologice si alegorice in opera sa.

Capodopera lui Romano sunt frescele sale de teatru din Palazzo Te din Mantua. Palatul a fost palatul de vara bling-y al familiei Gonzaga.

Piesa de rezistentaa lui Romano este caderea uriasilor in Sala Uriasilor. In acest spatiu uimitor asemanator unei grote se afla un taram alternativ al fanteziei manieriste. Figuri colosale alungite impodobesc fiecare centimetru al peretilor.

Frescele intense descriu povestea epica a caderii titanilor, asa cum este povestita in Metamorfozele a lui Ovidiu. Polifem si gigantii sai groteschi asemanatoare benzilor desenate indraznesc cu indrazneala sa urce pe Muntele Olimp.

Ca raspuns, zeii isi dezlantuie furia intr-o furtuna ispititoare. Ei distrug uriasii, aruncand stalpi si fulgerand. Scena este atat de vie incat s-ar putea sa ai senzatia ca esti tu insuti zdrobit.

11. Cristofano Allori, Judith cu capul lui Holofernes

Cristofani Allori a fost fiul prolificului pictor manierist Allessandro Allori. Este cel mai recunoscut pentru capodopera sa captivanta intitulata Judith with the Head of Holofernes, care este una dintre cele mai faimoase picturi ale secolului al XVII-lea.

Pictura surprinde cu maiestrie esenta dramatica a relatarii biblice populare despre Judith si Holofernes. In ea, o femeie curajoasa ia lucrurile in propriile maini, decapitatandu-l pe tiranicul razboinic care si-a asediat orasul natal din Israel.

In interpretarea lui Allori daca povestea, o Judith salciata emana un aer de calm senin, impodobita intr-o rochie aurie stralucitoare. Privirea ei este fixata asupra privitorului in timp ce prezinta capul taiat, simbolizand actul ei triumfal de eroism.

Ceea ce diferentiaza aceasta pictura este fuziunea sa remarcabila de frumusete, violenta si intensitate emotionala, transmitand efectiv o poveste despre separare si imputernicire. Interesant, Allori a introdus elemente personale in munca sa.

A modelat chipul lui Judith dupa fostul sau iubit, o persoana cu care traise o relatie tumultoasa care s-a incheiat nefavorabil. Capul lui Holofernes este un autoportret al lui Allori insusi, adaugand o dimensiune autobiografica unica operei de arta.

12. Giorgio Vasari, Portretul lui Lorenzo de’ Medici

La varsta de 22 de ani, Giorgio Vasari a pictat acest portret al renumitului Lorenzo de’ Medici. A fost comandat de Cosimo I de’ Medici ca un omagiu adus lui Lorenzo, cunoscut sub numele de Il Magnifico.

Lorenzo a fost cel mai proeminent conducator al dinastiei Medici. A fost un patron incredibil de important al artei renascentiste. A sustinut cu generozitate artisti renumiti precum Michelangelo, Botticelli si Donatello.

In portretul lui Vasari, Lorenzo este infatisat purtand o tunica albastra impodobita cu mansete de hermina, inconjurat de obiecte care sarbatoresc domnia sa. De brau ii atarna o poseta rosie, simbolizand rolul sau de bancher al papei.

Tabloul il infatiseaza pe Lorenzo intr-o maniera contemplativa, prezentat cu umilinta in culori subtil atenuate. Aspectul sau capricios si nebarbierit a fost ales intentionat pentru a-l infatisa ca pe un om al poporului, subliniind legatura lui cu masele.

Vasari este cunoscut si pentru frescele sale din Sala celor cinci sute si apartamentul elementelor din Palazzo Vecchio din Florenta.

13. Michelangleo, Judecata de Apoi

Judecata de Apoi ar putea fi considerata fie ultima inflorire a inaltei Renasteri, fie primul exemplu major de pictura manierista italiana. Aleg sa o tratez ca pe aceasta din urma, deoarece este atat de diferita de celelalte fresce ale lui Michelangelo din Capela Sixtina.

In 1536, Papa Clement al VII-lea l-a chemat pe Michelangelo sa picteze Judecatorii de Apoit pe peretele altarului Capelei Sixtine, la 24 de ani dupa ce terminase tavanul. Michelangelo avea 61 de ani la acea vreme si a lucrat singur la proiect timp de cinci ani.

Fresca este o compozitie puternica si terifianta, asezata pe un fundal albastru azuriu. Infatiseaza peste 300 de figuri, dintre care majoritatea sunt nud. 

Judecata de Apoi este redata intr-un stil diferit fata de frescele anterioare de pe tavan ale lui Michelangelo, pornind in esenta manierismul. Figurile sunt mai monumentale si sunt in pozitii distorsionate. 

Fresca are o neliniste anxioasa si o senzatie de nesiguranta. Fiecare figura este reprezentata intr-o stare emotionala sporita, adaugand la intensitatea generala a scenei.

Hristos este infatisat diferit decat de obicei in mijlocul compozitiei. Pare excesiv de tineresc, plin de culoare si ras lin.

El pluteste pe nori ca Apollo, mai degraba decat sa arate ca salvatorul cu barba suferind, la care se asteapta de obicei. Mana lui ridicata ii judeca pe cei blestemati.

Finalizarea Judecata de Apoi a fost o sarcina dificila pentru Michelangelo, deoarece era un cetatean in varsta la acea vreme. Se zvoneste ca a ascuns doua autoportrete dure in fresca, poate ca o modalitate de a-si descrie nefericirea ca a fost fortat sa intreprinda proiectul.